Ein Blick hinter den Zaun

Ein Gespräch über Illustration, Bildsprache und das Spiel mit Bedeutungen

Ein Zaun voller bunter, teilweise abgerissener Plakate, dazwischen ein Durchblick auf eine stille Landschaft: Das neue Header-Motiv von Matthias Schardt verbindet Gegensätze und gibt zugleich Einblicke in das vielseitige Werk des Illustrators. In unserem Gespräch geht es um wiederkehrende Motive, das Spiel mit Formen und Bedeutungen und die Frage, welchen Stellenwert die menschliche Handschrift in Zeiten künstlicher Intelligenz hat.

Das Motiv

Für unseren Website-Header hast Du ein Loch im Zaun dargestellt. Was hat es damit auf sich?

Zunächst einmal ist da ja nicht nur das Loch, sondern auch noch ein paar andere Dinge. Auf der einen Seite haben wir den Zaun, der mit vielen sehr unterschiedlichen aber nicht mehr vollständigen Bildern plakatiert ist. Sie sind teilweise nur noch in Resten vorhanden und überlagern sich in abgerissenen fragmentierten Formen. Es entsteht ein ziemlich wildes Durcheinander von sehr kontrastreichen Formen, Farben und Inhalten. Mitten in diesem Durcheinander öffnet sich plötzlich der Blick auf eine weite Landschaft. Der wilde Galopp kommt zum Stillstand. Da sind nur noch Weite und Stille. Dieses Motiv wird im Vordergrund aufgenommen von einer alten Oma mit Rollator die langsam und unbeeindruckt an der Zaunwand vorbeigeht. Außerdem ist da noch ein altes Fahrrad, das offenbar schon lange keiner mehr benutzt hat. 

Zunächst einmal gibt mir diese Form der Bilderzählung, die Möglichkeit viele meiner Zeichnungen prominent auf der Startseite von Kombinatrotweiss zu präsentieren, denn natürlich sind die Motive auf den Plakaten alles Illustrationen, die ich in der Vergangenheit für Kunden oder für mich erstellt habe. 

Da ist aber noch mehr. Warum dieser starke Kontrast?

Das Loch im Zaun greift ein Thema auf, das mich in meiner künstlerischen Arbeit schon lange begleitet. Ich habe ihm den Namen „Tor“ gegeben. Damit meine ich allerdings nicht unbedingt ein tatsächliches Tor, sondern ganz allgemein das Motiv einer Öffnung, verbunden mit der Hinwendung zu etwas ganz anderem.

Das kann vieles sein. Zum Beispiel eine Baulücke in einer belebten Straße, in der sich die Natur ihren Raum zurückerobert hat. Solche Situationen berühren mich sehr, weil sie mich für einen Moment dem Alltäglichen entheben. Plötzlich begegnet mir dieser Ort auf eine ganz andere Weise. Er gewinnt eine besondere Bedeutsamkeit, die ich unmittelbar empfinde, ohne dass ich genau sagen müsste, worin sie besteht.

Ein anderes Beispiel für eine solche poetische Wendung findet sich in einer Illustration, die ich für das aktuelle JS-Magazin gezeichnet habe. Hier geht es um Trauer. Ein Kamerad ist bei einem Verkehrsunfall gestorben, die Freunde stellen am Strassenrand ein Kreuz auf und am Himmel ziehen die Kraniche in den Süden. Ich glaube, dazu muss ich nicht mehr sagen.

Ein äußerer Raum wird so zu einem inneren. Es geht weniger darum, was dieser Ort bedeutet, sondern vielmehr darum, dass er bedeutsam wird. Ich glaube, genau darin liegt für mich etwas wesentlich Poetisches.

Welche Rolle spielt dieses Motiv in deinen anderen Arbeiten?

Das Motiv des Tores beschränkt sich keineswegs auf Landschaften oder räumliche Darstellungen. Es kann beispielsweise auch in meinen Porträts eine Rolle spielen.

Wenn ich einen Menschen zeichne, geht es mir nicht ausschließlich um dessen äußere Erscheinung. Im besten Fall eröffnet das Porträt einen Zugang zu einer Innenwelt, zu etwas, das über das unmittelbar Sichtbare hinausgeht. Auch dann kann ein Tor aufgehen.

In diesem Sinne verstehe ich das Tor als ein übergeordnetes bildnerisches Prinzip. Es geht um die Möglichkeit, durch ein Bild etwas zu eröffnen, das zuvor nicht zum Bewußtsein  kam.

Bildsprache und Gestaltung

Welche Bedeutung haben Gegensätze in deiner Bildgestaltung?

Gegensätze sind für mich ein wichtiges gestalterisches Mittel. Sie erzeugen Spannung und setzen unterschiedliche Bedeutungsebenen miteinander in Beziehung. Dabei geht es mir nicht darum, die Gegensätze aufzulösen, sondern aus ihrem Zusammenspiel eine neue Einheit entstehen zu lassen – eine Einheit in der Gegensätzlichkeit.

Die Plakatwand auf dem Header stellt natürlich eine maximale Gegensätzlichkeit dar, denn normalerweise sind die Motive auf solchen Wänden vollkommen willkürlich zusammengewürfelt.  Ich mag solche Situationen, denn Ich glaube, dass sich gerade in dieser Beiläufigkeit ein Tor öffnen kann. Plötzlich treten die unterschiedlichen Bildwelten miteinander in Beziehung, und es entsteht etwas Neues, dessen Bedeutung offenbleibt. Das finde ich schön. 

Zu den Gegensätzen innerhalb der Plakatwand kommt also noch der Kontrast zur stillen Landschaft, zur Oma und zum Fahrrad im Vordergrund.

Ein Bild muss für mich keineswegs eindeutig sein. Es darf Widersprüche enthalten und unterschiedliche Lesarten ermöglichen. Gerade dadurch kann es interessant werden.

Wie würdest du Deine persönliche Bildsprache beschreiben?

Ich verstehe Illustration – und Kunst im Allgemeinen – grundsätzlich als ein Spiel mit Bedeutungen, die sich aus Formen und Symbolen ergeben. Dieses Spiel folgt häufig einer Art Dramaturgie, in der die einzelnen Elemente eines Bildes zusammenwirken.

Schon im Strich versuche ich, Spannung aufzubauen, indem ich mit Gegensätzen spiele, etwa zwischen Schnelligkeit und Bedächtigkeit oder zwischen Zartheit und Grobheit. Diese Spannung möchte ich auch auf der Ebene des Motivs beibehalten.

Ich bevorzuge eine Farbgebung, die durchaus komplex, aber zugleich harmonisch ist. Durch das Zusammenspiel der Farben kann eine besondere Atmosphäre entstehen, die über den rein dekorativen Aspekt hinausgeht. Auch sie kann dazu führen, dass ein Bild auf eine neue Weise bedeutsam wird. Und damit sind wir wieder bei meinem Motiv des Tores.

Natürlich muss man dabei zwischen freien Arbeiten und Auftragsillustrationen unterscheiden. Bei einer Auftragsarbeit sind Themen und Anforderungen häufig vorgegeben. Dennoch beeinflussen sich beide Bereiche gegenseitig. Vieles, was ich in meinen freien Arbeiten entdecke und entwickle, fließt auch in meine Tätigkeit als Illustrator ein.

Gegenwart und Perspektiven

Wie verändert künstliche Intelligenz Deinen Blick auf die Illustration?

Die Entwicklung der künstlichen Intelligenz stellt die Illustration vor massive Veränderungen. Bilder, für die früher ein erheblicher gestalterischer und handwerklicher Aufwand notwendig war, lassen sich heute in kürzester Zeit generieren. Für viele Illustratoren ist damit die berufliche Existenz bedroht.

Das wirft für mich die Frage auf, wie wir Illustratoren uns künftig behaupten können. Worin liegt eigentlich die besondere Qualität einer von Menschen geschaffenen Illustration?

Dabei denke ich nicht nur an das fertige Bild, sondern auch an den Prozess seiner Entstehung: an Entscheidungen, Zufälle, handwerkliche Erfahrungen und die persönliche Auseinandersetzung mit einem Thema.

Gerade bei Zeichnungen, die einen großen Teil meiner Arbeit ausmachen, bleibt dieser Prozess im fertigen Bild nachvollziehbar. Ein Strich folgt nicht nur einer gestalterischen Absicht, sondern auch der Bewegung und der körperlichen Logik des Zeichnenden. Und diese Bewegung kann der Betrachter gewissermaßen nachempfinden, weil er selbst über entsprechende körperliche Erfahrungen verfügt.

Ich glaube, dass wir künftig gerade solche Qualitäten der Illustration stärker hervorheben sollten, in denen der menschliche Entstehungsprozess sichtbar und erfahrbar bleibt. Darin sehe ich eine Möglichkeit, der zunehmenden Austauschbarkeit von Bildern etwas entgegenzusetzen.

Was ist Deine Antwort darauf?

Ich möchte mich künftig wieder stärker analogen Techniken wie Tusche, Aquarell, Gouache und unterschiedlichen Mischtechniken widmen. Denn neben der körperlichen Bewegung beim Zeichnen ist es auch die unmittelbare Auseinandersetzung mit dem Material, die den Entstehungsprozess prägt und im fertigen Bild erfahrbar werden kann.

Bei analogen Techniken spielen die Eigenschaften des Materials eine wichtige Rolle. Farbe, Papier und Werkzeug bringen ihre eigenen Möglichkeiten, aber auch Widerstände mit sich. Nicht alles lässt sich vollständig kontrollieren, und gerade darin liegt für mich ein besonderer Reiz.

Ich sehe darin weniger eine Abkehr vom Digitalen als vielmehr eine Möglichkeit, meine gestalterischen Ausdrucksmittel zu erweitern und die Spuren des Entstehungsprozesses stärker in den Vordergrund zu rücken.