Live Illustration mit Ekaterina Koroleva

Ekaterina Koroleva versteht es, Augenblicke in Echtzeit einzufangen und in Illustration zu übersetzen. Dabei geht es nicht nur um das fertige Bild, sondern um den gesamten Prozess: das Entstehen, das Beobachten, das unmittelbare Reagieren. In unserem Interview gibt sie Einblicke in ihre Arbeitsweise, spricht über die besondere Dynamik von Live Illustration und darüber, was es bedeutet, vor Publikum zu zeichnen. Ein Gespräch über Intuition, Präsenz und die Kunst, den Moment festzuhalten – und warum genau darin eine ganz eigene Magie liegt.

Motivation

Was fasziniert dich persönlich an Live Illustration im Vergleich zu klassischen Auftragsillustrationen?

Die Live-Illustration lebt von der Unmittelbarkeit und der Energie des Augenblicks. Mich fasziniert die Herausforderung, die Essenz einer Begegnung, die Dynamik eines Events und den Charakter des Produkts in Sekunden zu erfassen.

Im Vergleich zur klassischen Auftragsarbeit, bei der primär das Endergebnis zählt, wird beim Live-Painting der Entstehungsprozess selbst zum Teil des Entertainments. Es entsteht ein Dialog zwischen mir, dem Medium und dem Gast, der unmittelbar miterlebt, wie aus wenigen Linien eine lebendige Figur erwächst oder ein Produkt eine sehr persönliche Note erhält und somit zum Unikat wird und damit eine zusätzliche Wertigkeit bekommt.

Diese Form der Kunst erfordert eine außergewöhnliche handwerkliche Präzision: Hier zählt jeder Strich und jede Berührung des Untergrunds, da es meist keine Möglichkeit zur nachträglichen Korrektur gibt. Um eine perfekte Harmonie der Materialien zu garantieren, schöpfe ich aus einem fundierten Erfahrungsschatz und der jahrelangen, intensiven Auseinandersetzung mit meinen Werkzeugen wie Tuschen, Aquarellfarben, Bleistiften, Buntstiften, Federn und natürlich den unterschiedlichen Papieren.

Der Mehrwert für Events

Warum entscheiden sich Marken und Veranstalter heute immer häufiger für Live Illustration bei Events?

1. Emotionalisierung

In einer zunehmend digitalisierten Welt suchen Marken nach authentischen, menschlichen Erlebnissen. Live-Illustration bietet genau diesen „Human Touch“. Wenn ich für Kunden wie Hermès oder Lanius arbeite, sehen die Gäste keine fertige Datei, sondern erleben die Entstehung von Kunst in Echtzeit. Das schafft eine tiefe emotionale Bindung zur Marke, die weit über das Event hinausreicht.

2. Exklusive Personalisierung als Wertschätzung

Gäste möchten sich gesehen fühlen. Ein handgezeichnetes Live-Portrait oder ein individualisiertes Produkt (z.B. Product Customization für Marken) ist das ultimative Gastgeschenk. Es ist ein Unikat, das handwerkliche Präzision ausstrahlt und dem Gast signalisiert: „Dieses Kunstwerk wurde nur für dich geschaffen.“

3. Social Media Content mit hoher Reichweite

Der Entstehungsprozess meiner Illustrationen ist hochgradig „instagrammable“: Besucher filmen, teilen und verbreiten die Live-Performance ganz intuitiv weiter. So wird das Bild selbst zum organischen Marketing-Tool und steigert die digitale Sichtbarkeit des Events.


4. Entertainment mit Tiefgang und expressive Dokumentation

Live-Zeichnen ist eine leise, fesselnde Form des Entertainments, die Raum für Beobachtung und Innehalten schafft. Anders als bei Fotografie oder Video, die primär dokumentieren, übersetzt Illustration das Geschehen in eine individuelle, künstlerische Handschrift. Besonders bei Fashion-Events oder Produkt Launches fungiere ich als visuelle Protokollantin, die Eleganz und Dynamik des Moments in Echtzeit einfängt und so eine bleibende, atmosphärisch verdichtete Erinnerung schafft.

Vorbereitung & Konzept

Der Job einer Live Event Künstlerin ist eine Mischung aus strategischer Vorbereitung, fundiertem Handwerk(weil man auf die schnelle manche Techniken wie Portrait einfach nicht erlernen kann) und künstlerischer Intuition.

Ich mache eine kurze Marken bzw. Kollektionsanalyse oder Frage nach einem Gestaltungskonzept für die Produktlinie. Manche Klienten suchen nach einer sehr monochromatisch eleganten Umsetzung, bei anderen darf ich mich als Künstler farblich austoben und intuitiv Farb- und Formakzente setzen.

Wichtig ist die Materialkuratierung. Ich stimme Papierstruktur, Farbauswahl (Aquarell, Tusche, Marker) oder digitale Brushes exakt auf das Event-Thema ab. Wir stimmen ab, ob der Fokus auf schnellen, dynamischen Skizzen (High-Energy) oder auf detaillierten, feineren Portraits (Exklusivität) liegt. Wenn ich die Möglichkeit habe, kriege ich Samples, Materialproben und kann vorab die Farben auf der Verpackung/Papier oder dem Glas testen.

Bei Projekten wie der 9 Meter langen Tischdecke für Amazon: Wie plant man eine Arbeit in dieser Größenordnung?

Die Planung für dieses Projekt war dank meiner multidisziplinären Arbeitsweise sehr strukturiert. Da ich bereits Erfahrung mit dem Zeichnen auf Textilien gesammelt hatte, flößte mir das außergewöhnliche Format keinen Respekt ein – ich fühlte mich bestens vorbereitet. Im Vorfeld führte ich eine gezielte Materialprobe durch, um die Konsistenz der Farben und die Wirkung des Pinselstrichs auf dem Stoff exakt abzustimmen.

Innerhalb von anderthalb Tagen habe ich die Objekte Schritt für Schritt auf die Tischdecke übertragen. Ich glaube, der Begriff ‚HUMAN PRINTER‘ fasst meine Arbeitsweise bei diesem Projekt perfekt zusammen: hohe Präzision und Dynamik in der Linienführung , Ausdauer und jede Menge Rückenmuckis bedarf es bei der manuellen Umsetzung eines komplexen bunten Patterns in so kurzer Zeit.

Prozess während des Events

Wie läuft ein typischer Live-Illustrationsabend für dich ab – vom Aufbau bis zum letzten Strich?

Das Schöne an Live-Events ist, dass sie jedes Mal anders verlaufen und man immer wieder ins kalte Wasser geworfen wird. Unterschiedliche Locations und Eventkonzepte machen jede Vorbereitung einmalig und spannend, weil man sich neu kalibrieren muss. Da ich mich schnell langweile und Wiederholungen für mich den persönlichen kreativen Tod bedeuten, ist das mein perfektes Arbeitsumfeld.

Solche Events erfordern eine bestimmte Robustheit gegenüber Lautstärke und äußeren Einflüssen wie Licht, Menschen, die einem auf die Finger schauen, lauter Musik und anderen Dingen, die einen schnell ablenken oder aus der Fassung bringen können. Ich habe jedoch Routinen entwickelt, wie ich den Überblick über die Abläufe behalte, und komme bereits nach kurzer Zeit in einen sehr guten Flow – egal, ob es sich um 4 oder 8 Stunden handelt.

Mein Ziel ist es, nicht länger als 10 Minuten an einer Arbeit zu sitzen, sei es Handlettering, eine persönliche Widmung oder ein komplexes Porträt. Der Kunde sollte nicht lange an meinen Tisch gefesselt bleiben, sondern die Möglichkeit bekommen, am Event teilzunehmen, zu netzwerken oder die Kollektion zu shoppen.

Diejenigen, die neugierig sind, sind herzlich dazu eingeladen, mir bei der Entstehung eines Kunstwerks zuzuschauen und das Zusammenspiel von Buntstiften, Markern, Tusche und Aquarell – das sind nämlich meine Lieblingsmaterialien – zu beobachten oder manchmal sogar selbst etwas auszuprobieren, wenn Zeit da ist.

Herausforderungen

Was ist der größte Unterschied zwischen einer ruhigen Studioarbeit und einer Live-Situation vor Publikum?

Der größte Unterschied zwischen Studioarbeit und Event-Illustration ist das tolle direkte Feedback von den Kunden und Besuchern. Studioarbeit ist häufig ruhig und sehr einsam, darum freue ich mich umso mehr auf den Austausch und die zwischenmenschliche Interaktion auf Events.

Meine größte Herausforderung war die Bemalung der 9 Meter langen Tischdecke für ein Event im Soho House Berlin. Hier spielt es eine große Rolle, sich das Objekt räumlich vorstellen zu können und die Motive so zu platzieren, dass sie sich gleichmäßig über den Tisch verteilen – ohne die Decke jemals vorher komplett ausgerollt gesehen zu haben.

Bei Live-Porträts muss ich wach und aufmerksam genug sein, um durchgehend hochwertige Ergebnisse abzuliefern, ohne den Überblick zu verlieren oder zittrige Linien zu ziehen.

Mein Traum ist es, ein Event komplett in eine eigene visuelle Formsprache zu tauchen und Illustration auf allen Oberflächen stattfinden zu lassen: von der Menükarte über die Tischdecke mit handgeschriebenen Platzkarten bis hin zur Raumdekoration. Das Feld der Illustration ist mittlerweile so breit, und ich sehe großes Potenzial darin, den digitalen Raum zu verlassen, analoge Räume kreativ mitzugestalten und in einer Zeit zunehmender Technisierung viel Wert auf Handgemachtes zu legen.

Ich wünsche mir mehr Projekte mit hohem Anspruch an das Handwerk und die Erschaffung kreativer Erlebnisse, die inspirieren. Dabei darf die reine Produktplatzierung gerne etwas in den Hintergrund rücken, um das Erleben in den Fokus zu stellen. Schließlich sind es die schönen Momente, die unvergesslich bleiben – so gelingt die emotionale Brücke zum Produkt ganz von selbst.

Ein Hoch auf das analoge, gemeinsame Erleben!