Neasden Control Centre im Interview

Die Arbeiten von Neasden Control Centre fallen auf. Der Illustrator aus Südengland vereint handgezeichnete Linien, analoge Texturen, Collage-Elemente, Typografie und digitale Bearbeitung zu einer grafischen Sprache, die sich zwischen Kunst und Design bewegt. Mal als riesige Wandarbeit, mal als Editorial-Illustration oder in Form eines visuellen Erscheinungsbilds – seine Werke leben von Energie, der Lust am Experiment und einem ausgeprägten Sinn für Komposition. Im Interview gibt Neasden Control Centre aka Stephen Smith Einblick in seinen Stil, seine Prozesse und seinen Anspruch an die eigene Arbeit.

Wie würdest Du Deine visuelle Handschrift selbst beschreiben?
Mein Stil ist grob, experimentell und vielschichtig. Ich kombiniere gerne Collage, Handzeichnung und grafische Elemente – oft mit groben Texturen, markanten Typografien und fragmentierten Motiven. Dabei entsteht ein Look, der von urbaner Kultur geprägt ist. Ich arbeite spontan und mit Energie, visuelles Storytelling durch abstrakte Kompositionen steht für mich im Mittelpunkt. Farblich darf es mutig sein – ich arbeite gerne mit kräftigen Paletten, ergänzt durch Muster und freie Markierungen, die meiner Arbeit einen taktilen, grafischen Charakter geben.

Collage ist ein zentrales Element Deiner Bildsprache. Was reizt Dich an dieser Technik – und wie setzt Du sie ein?
Collage ist für mich keine eigene Disziplin, sondern Teil meiner Denkweise. Ich arbeite oft intuitiv – das Motiv entsteht durch das Machen selbst. Dabei nutze ich Collage als Mittel, um Spannung und Spontaneität zu erzeugen. Manchmal schneide ich Arbeiten bewusst auseinander, um Reibung zu erzeugen. Mein Werk ist immer im Zustand zwischen Konstruktion und Dekonstruktion, und ohne Collage wäre das nicht möglich.

Du bewegst Dich zwischen analogen und digitalen Techniken. Wie hat sich dieses Zusammenspiel entwickelt?
Ursprünglich habe ich nur analog gearbeitet und stundenlang gezeichnet. Doch irgendwann kam die Begeisterung für digitale Werkzeuge hinzu. Was man heute sieht, ist das Ergebnis von über 25 Jahren, in denen ich beide Welten zusammengeführt habe. Wichtig ist mir dabei, nicht direkt am Computer zu starten – ich arbeite Ideen zunächst auf Papier aus, entwickle sie in Skizzenbüchern, bevor ich sie digital weiterführe. So entsteht Tiefe und Charakter.

Welche gestalterischen Einflüsse haben Dich geprägt?
Es gibt unzählige Einflüsse, aber besonders fasziniert mich die grafische Kunst der 1960er- und 70er-Jahre. Während meines Studiums hatte ich das Glück, großartige Dozent:innen zu haben – sie haben mir Künstler wie Kurt Schwitters nähergebracht, was meine gestalterische Sprache nachhaltig beeinflusst hat!

Welche Rolle spielt Storytelling in Deiner Arbeit?
Eine ganz zentrale! Ich habe Sequential Design im Master in Brighton studiert, das hat meine Arbeitsweise stark beeinflusst. Auch wenn meine Kompositionen oft abstrakt sind, denke ich immer narrativ – es geht darum, durch grafische Mittel eine Geschichte zu erzählen, auch wenn sie offen bleibt.

Du arbeitest in vielen Formaten – von Murals über Editorial bis zu Branding. Gibt es ein Medium, das Dir besonders liegt?
Ich arbeite gerne großformatig – da kann sich mein Stil richtig entfalten! Gleichzeitig schätze ich die Klarheit und Präzision, die bei Editorial-Projekten gefragt ist. Ich brauche beides – entscheidend ist, dass ich die Freiheit habe, meine visuelle Sprache einzubringen.

Ein besonders spannendes Projekt war die visuelle Identität für Man Culture – eine Initiative zum Thema „male allyship“. Wie geht man an so ein gesellschaftlich sensibles Thema visuell heran?
Das Projekt erforderte eine visuelle Sprache, die Haltung zeigt, ohne zu polarisieren. Wir wollten eine Gestaltung, die Offenheit signalisiert, gleichzeitig aber Klarheit und Stärke vermittelt. Ich habe viel mit Form, Raum und Farbe gearbeitet, um dieses Spannungsfeld abzubilden – und eine visuelle Plattform zu schaffen, die sowohl aktivierend als auch zugänglich wirkt.

Auch bei anderen Branding-Projekten wie All Good Organic Cereals arbeitest du mit klarer visueller Sprache. Wie setzt Du dort Werte wie Nachhaltigkeit um?
Gemeinsam mit dem Creative Director haben wir eine Farbwelt definiert, die die Zutaten jeder Sorte widerspiegelt. Die Komposition basiert auf klaren grafischen Elementen: zentrales Schlüsselmotiv, Logo, verspielte Formen. Die Illustrationen sollen nicht nur Natürlichkeit transportieren, sondern auch Freude am Produkt. Ziel war ein Design, das man gern in der Küche stehen hat – fast wie ein Lieblingskochbuch!

Neben Markenarbeit gestaltest Du auch große Murals, wie z. B. für Warby Parker. Wie unterscheidet sich das von Branding-Projekten?
Bei Murals geht es stark um Raumwahrnehmung. Für Warby Parker habe ich eine Illustration entwickelt, die sich von außen wie von innen lesen lässt – mit versteckten Brillenformen und einer Farbwelt, die sich am Warby-Parker-Blau orientiert. Der Anspruch war, etwas Zeitloses zu schaffen, das gleichzeitig lebendig wirkt.

Wie gehst Du an kommerzielle Projekte im Vergleich zu freien Arbeiten heran?
Beide Welten inspirieren sich gegenseitig. Kommerzielle Projekte sind durch Briefings und Rahmenbedingungen strukturiert – das fordert mich heraus, ohne meine Sprache zu verlieren. Bei freien Arbeiten lasse ich mehr los, arbeite schnell, impulsiv. Ich habe gelernt, beides in Balance zu halten.

Du wirkst sehr produktiv – wie erhältst Du Dir diese Energie?
Ich mache das, was ich liebe – das ist mein Antrieb! Ich muss nicht bewusst „auftanken“. Natürlich gibt es Tage, an denen es schwerfällt. Aber gerade in solchen Phasen entstehen oft interessante Dinge. Meine Familie, meine Partnerin und unsere gemeinsamen Reisen geben mir zusätzlich Energie.

Gibt es Werkzeuge, auf die Du nicht verzichten kannst?
Schwarze Chinagraph-Stifte – die sind essenziell für mich! Und meine Skizzenbücher, in denen ich ständig arbeite.

Woran arbeitest Du aktuell – und wohin soll es in Zukunft gehen?
Ich wünsche mir mehr Projekte in den Bereichen Musik, Branding, Buchgestaltung und immersive Formate – Dinge, in die ich wirklich eintauchen kann. Ich experimentiere außerdem mit Siebdruck und entwickle eine Publikation, in der ich Skizzen und Arbeiten aus den letzten Jahren zusammenbringe. Parallel arbeite ich an einem grafischen Projekt mit dem Künstler Liam Young für eine Show in Los Angeles. Multidisziplinäres Arbeiten bleibt für mich zentral – es hält alles im Fluss!

Neasden Control Centre steht für eine Form der Illustration, die über Konventionen hinausgeht. Seine Arbeiten sind rough, präzise, narrativ – und immer visuell aufgeladen. Er beherrscht den Spagat zwischen künstlerischem Anspruch und gestalterischer Klarheit und ist dabei offen für neue Formate, Medien und Perspektiven. Für Auftraggeber, die starke visuelle Identitäten suchen, ist er ein spannender Partner: vielseitig, erfahren und mit einer Bildsprache, die sich einprägt.

Interessiert an einer Zusammenarbeit mit Neasden Control Centre?
Dann sprechen Sie uns gerne an! Weitere Arbeiten und Projekte finden Sie in seinem Portfolio.